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PEGGY GILBERT (1905 – 2007), SAXOFONISTA Y FEMINISTA DEL JAZZ


Peggy Gilbert no protagonizó ninguna revolución dentro del jazz, pero fue una de las pocas personas que podía presumir de haber vivido un siglo de esta música elevada. La saxofonista y multiinstrumentista fallecida en Los Angeles (California) a los 102 años, mostró una insólita vitalidad que la mantuvo en activo hasta finales de la década de los 90.
Participó en el documental 'Peggy Gilbert and her all-girl band', de la realizadora y musicóloga Jeannie Pool, en el que se daba cuenta de su prolífica trayectoria artística. Hoy el mundo del jazz la recuerda a través de ese retrato cinematográfico en el que ella aparecía como lo que era: una suerte de heroína del jazz, ya que fue una de las pocas mujeres que durante el pasado siglo había liderado sus propias formaciones musicales, como la Dixie Belles, probablemente su grupo más famoso, integrado exclusivamente por mujeres de avanzada edad. Se formó en 1974, cuando Peggy Gilbert había cumplido los 69 años. El dato lo dice todo sobre esta incansable dama.
Nacida en Sioux City, Iowa (1905), Margaret Fern Knechtges -éste era su verdadero nombre- inició sus primeros estudios musicales junto a su padre, violinista de profesión, para después, contagiada por esa música endiablada que llegaba a través de las emisoras de radio, decantarse por el saxo tenor y formar su primera banda, las Melody Girls.
Durante la década dorada del swing orquestal, los años 30 del siglo pasado, Peggy Gilbert y sus muchachas realizaron numerosas giras a lo largo y ancho de Estados Unidos, anunciándose con distintos nombres: Peggy Gilbert & Her Metro Goldwyn Orchestra, Peggy Gilbert & Her Symphonics o Peggy Gilbert & Her Codees. En aquel tiempo no era nada habitual que una banda de mujeres compartiera tarima en espacios reservados para hombres y lo más que se permitía era ese tipo de formaciones dirigidas a distraer todos los sentidos del público.
Billy Wilder lo retrató en 'Con faldas y a loco', donde el grupo de chicas que aparece bien podía ser el de Gilbert y compañía. Pero la saxofonista reivindicó siempre el espacio de la mujer en el jazz, compitiendo junto a poderosas orquestas masculinas de la época, como las de Benny Goodman o Louis Prima, o escribiendo artículos para prestigiosas revistas como Down Beat: ¿Por qué las mujeres somos inferiores? (abril, 1938).
Su andadura por el jazz se vio igualmente reflejada en numerosos programas de radio y televisión, así como en diversas películas (The Wet Parade, Melody for two o The Great Waltz) y en organizaciones como la Federación Americana de Músicos, cuya sede local de Los Angeles presidió. Las mayores conquistas de la saxofonista se ajustaron a su actividad al frente de las Dixie Belles, con las que grabó un disco de título homónimo en 1986 para el sello Cambria producido por la mencionada Jeannie Pool. La formación en su última etapa estaba compuesta por la trompetista Marnie Wells, la también saxofonista y clarinetista Natalie Robin, la pianista Georgia Shilling, la contrabajista Pearl Powers y la baterista Jerrie Thill.
Durante los últimos 20 años, fue distinguida con varios premios y galardones por parte de la industria jazzística y cinematográfica de Los Angeles, y escribió numerosos artículos y ensayos en la prensa estadounidense. Al final de una dilatada vida como la suya, nadie puede dudar de que Peggy ha sido una jazzista de armas tomar.
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CARLOS PELLICER (1897 – 1977), EL POETA QUE REDESCUBRE LA BELLEZA DEL MUNDO


Poeta mexicano, considerado el de más amplio registro y mayor intensidad de la primera mitad del siglo XX, abrevó en la fuente de las corrientes de vanguardia y las asimiló en una obra original y consistente.
Profesor de literatura y de historia en escuelas secundarias, fue un excelente periodista y un fino y agudo crítico literario. Como promotor cultural, fue museógrafo e impulsor de las artes plásticas, y en su faceta política ejerció la diplomacia y fue senador de la República.
Integrante del círculo de creadores formado en torno a la revista Contemporáneos no se inclinó por una poesía metafísica, centrada en la conciencia sino que se interesó más bien en la exuberancia del paisaje natural y los elementos que lo integran (el aire, el viento, el fuego, la tierra), de ahí que la crítica no considere racionalista su poesía sino más bien un canto que celebra el mundo.
Destacan en su obra Colores en el mar y otros poemas (1921), la lírica amorosa de Hora de junio (1931) y el aspecto religioso de Práctica de vuelo (1937). Su manera singular de contemplar e interpretar la vida da a su verso perfiles personales, ya hable del amor humano o se eleve a cantar al amor divino. Enemigo acérrimo del nerudismo, que consideró una plaga para América, fue uno de los escritores más populares de su país. En 1954 recibió el Premio Nacional de Literatura.
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MARIO VARGAS LLOSA, ACADÉMICO DE LA RAE


Mario Vargas Llosa pronunciando su discurso tras su investidura
El escritor y académico hispanopeurano Mario Vargas Llosa (Perú, 1936), premio Nobel de Literatura, tomó posesión del sillón «L» de la Real Academia Española el 15 de enero de 1996 con el discurso titulado Las discretas ficciones de Azorín.
Novelista, ensayista y dramaturgo, es autor de una extensa bibliografía iniciada en 1959 con el libro de relatos Los jefes. Su reconocimiento como escritor se produjo tras la aparición en Barcelona de La ciudad y los perros (1962). A este título le siguieron, entre otros, La casa verde (1965), Conversación en la Catedral (1969), Pantaleón y las visitadoras (1973), La guerra del fin del mundo (1981), Lituma en los Andes (1993), La fiesta del Chivo (2003), Travesuras de la niña mala (2006) y El sueño del celta (2010). Algunas de estas novelas han sido adaptadas y llevadas al cine.
Su obra, traducida a más de 30 idiomas, ha cosechado numerosos premios, entre los que destacan el Nobel de Literatura en 2010, el Cervantes (1994), el Premio Leopoldo Alas (1959), el Biblioteca Breve (1962), el Rómulo Gallegos (1967), el Príncipe de Asturias de las Letras (1986) y el Planeta (1993) entre otros, de la misma manera que ha recibido más de una treintena de doctorados honoris causa por distintas universidades internacionales.
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ROMA EN TIEMPOS DE “TOSCA”


Tosca es una tragedia en tres actos en la que Giacomo Puccini aborda temas como la violencia, abuso de poder, luchas políticas, pasiones, torturas y muerte.
Cuando se estrenó el 14 de enero de 1900 en Roma, la representación tuvo que retrasarse por una amenaza de bomba que obligó a desalojar el teatro. Salvo la fría noche del estreno, Tosca ha acabado encumbrándose como la obra maestra de un compositor cuya inspiración también produjo grandes leyendas del género lírico como Madame Butterfly, La Bohème Manon Lescaut o Turandot.
El argumento de Tosca es un drama que mezcla amor, celos y política, con un trasfondo histórico verídico: la Europa de 1800, en medio de la invasión de Napoleón a Italia. Aunque lo que nos cuenta es realmente una historia privada, un drama personal y único entre los personajes que durante la ópera demuestran sus debilidades, sus esperanzas y sus sentimientos, los acontecimientos que relata entre Floria Tosca y Mario Cavaradossi en manos del sanguinario y perverso Scarpia sólo pueden darse en el marco corrupto de fondo religioso y político de aquella ciudad papal. Cruelmente las ilusiones son destrozadas por la realidad: engaños, deseos y pasiones se mezclan en una Roma oscura entre las emociones y anhelos de los tres protagonistas (Floria, Mario y Scarpia) destinados irremediablemente a un final trágico.
Musicalmente, la obra se mantiene en el estilo desarrollado por Puccini hasta el momento: continuidad del discurso musical, roto apenas por una o dos arias. Las escenas más impactantes son el Te Deum del final del primer acto, y las arias Vissi d'arte (para Tosca) y E lucevan le stelle (para Mario). Dramáticamente, el segundo acto es de una intensidad inigualada por otra obra de Puccini.
Este compositor italiano se enamoró de la versión teatral de Tosca de Victorien Sardou, cuando la vio en Milán, con la célebre actriz Sarah Bernhardt en el papel protagonista, y es, de todas las óperas de Puccini, la que suscita más ardor entre defensores y detractores. La crítica fue unánime al condenar esta obra y el mismísimo Claude Debussy (compositor francés del siglo XX y una de las figuras más prominentes de la música impresionista) la despreció. Hizo falta medio siglo para que Tosca, amada inmediatamente por el público, lograra también imponerse entre los propios músicos. Y aún así se ha ganado su propia leyenda negra: los supersticiosos dicen que es una obra que da mal fario.
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EL DÍA QUE MICKEY MOUSE DEBUTA EN LAS TIRAS CÓMICAS


 


En 1930, tras haber aparecido en 15 cortometrajes de animación que le otorgan gran popularidad, en Estados Unidos, la compañía King Features Syndicate solicita a Disney licencia para lanzar al ratón Mickey Mouse y a sus compañeros en una serie de tiras cómicas. Walt Disney da su conformidad y en el día de hoy ve la luz la primera serie de tiras cómicas de Mickey con guión escrito por el propio Walt Disney. Los dibujos salen de la mano de Ub Iwerks y el entintado es obra de Win Smith. Minnie será la primera en incorporarse a la tira junto a Mickey.





La historia y algunos datos curiosos sobre el ratón más famoso
Mickey es el ratón más famoso que ha existido, siendo reconocido por millones en todos los continentes del mundo. El éxito de toda la industria de Disney se debe en gran medida a su personaje principal. Incluso la compañía lo ha dicho abiertamente: “No podemos olvidar nunca que todo esto se construyó por un ratón”.
El fenómeno del ratón es un caso sorprendente. Es un personaje que con cerca de 90 años de su creación sigue sorprendiendo al mundo y que por su carisma se ha ganado los corazones de niños y adultos. Ha sido querido por muchos, incluyendo artistas, intelectuales y políticos.
La aparición del ratón por primera vez en 1928 marcaría un cambio en las caricaturas y también sería el inicio del gran éxito de la compañía Walt Disney Productions. Pero, ¿a qué se debe el éxito de su popularidad?
El ratón de los pantalones rojos y zapatos amarillos, cuyo primer nombre fuese Mortimer, fue pensado por Walt Disney en marzo de 1927 durante un viaje de Nueva York a Los Ángeles. Walt había perdido recientemente los derechos de la serie Oswald the Rabbit, así como un gran número de los animadores que trabajaban con él. Pero el cineasta declaró que ni eso le impidió perder las esperanzas.
Entre todos los problemas y la confusión apareció una pequeña figurita burlona. Vaga e indefinida al principio. Pero creció y creció y creció. Y finalmente llegó a un ratón. Un juguetón y alegre ratoncito… La idea me envolvió por completo. (…) Para cuando el tren había llegado al Medio Oeste ya había vestido a mi ratón de ensueño en un par de pantalones rojos de terciopelo con dos grandes botones aperlados, había compuesto el primer escenario y todo estaba listo”.
Una vez en California el proceso de creación del famoso ratón, llamado en ese entonces Mortimer, comenzó en secreto. Como sugerencia de su esposa Lillian, el nombre fue modificado por el de Mickey que sonaba menos presuntuoso. El dibujo quedó a cargo de Ubbe Ert Iwerks, a quien Walt ya había conocido en 1919 cuando los dos intentaban convertirse en animadores. Ub, como se le conocía, tenía una gran facilidad para dibujar, algo en lo que Walt nunca fue lo suficientemente bueno, lo que le impidió poner en papel sus creaciones. Ub, dibujó secretamente las dos primeras caricaturas del personaje: Plane Crazy, basado en el vuelo de Lindbergh, y The Gallopin´Gaucho, en el que Mickey era un bravucón inspirado en el director y cineasta Douglas Fairbanks.
Tras el gran éxito de la primera película sonora The Jazz Singer en 1927, Disney se interesó en probar esta nueva técnica y hacer una película que ya no fuese muda. Con un gran número de animadores y después de una serie de experimentos, Disney se convirtió en el primer estudio en animar caricaturas con sonido. La primera caricatura fue Steamboat Willie, en la que Mickey rescata a Minnie Mouse, de su enemigo Pegleg Pete. La caricatura se estrenó en el Colony Theater en Nueva York el 18 de noviembre de 1928, momento en el que Mickey Mouse sería conocido por muchos por primera vez. Una estrella había nacido. La distribuidora Powers, se interesó en producir más caricaturas con el ratón como protagonista debido a su gran aceptación por el público. El éxito fue inmediato.
En la década de los 30, se comenzaron a producir tiras cómicas del personaje, además de que diversos juguetes como muñecos y otros artículos, entre ellos relojes empezaron a comercializarse. El estudio Disney, ya no era pequeño, se había convertido en un éxito corporativo y Mickey Mouse había alcanzado la fama mundial.
La personalidad del ratón haría de él un personaje amado por muchos niños de todas partes del mundo. Uno con el que muchas generaciones crecerían y muchas más que aún están por venir lo harán.
Fue el mismo Walt quien dio voz al personaje desde la primera caricatura hasta el año de 1946, cuando su adicción al cigarro le dificultó continuar con el doblaje.
Originalmente Mickey Mouse no tenía guantes blancos, éstos aparecieron por primera vez en 1929 con la caricatura The Opry House. Se cree que la razón era para diferenciar las manos del resto del cuerpo que era negro.
Los zapatos grandes, más tarde ya amarillos, intentaban simular que Mickey se había puesto un calzado de su padre, para dar la impresión de un niño travieso.
The Band Concert, fue el primer corto en el que Mickey aparecía a color en el año de 1935.
En una tira cómica de 1930, Mickey intenta suicidarse después de que sospecha que Minnie lo había estado engañando.
De acuerdo a una entrevista publicada en 1933 para la revista Film Pictorial, Walt afirmó que Mickey y Minnie sí están casados. A veces parece que no lo están porque así Mickey tiene la oportunidad de conquistarla en más ocasiones.
Pluto apareció por primera vez en los cómics en 1931. El nombre del enemigo de Popeye, en Popeye el Marino, era entonces Bluto; tras una ntín (Dopey Dwarf) de Blancanieves y los siete enanitos, apareciera como personaje principal. Debido a que la popularidad de Mickey había disminuido con la aparición del Pato Donald, Walt consideró que tenía que rescatar a su personaje estrella. Fue así que decidió “darle” a Mickey el papel protagónico. La escena de Mickey con el sombrero puntiagudo y la toga roja es ahora una de las más representativas del estudio Disney.
Mickey, con sus guantes blancos, pantalones rojos y zapatos amarillos es un personaje, que si bien no es real, para muchos está vivo y lo estará siempre que alguien lo recuerde.disputa con los estudios Disney cambió el nombre a Brutus, debido a la similitud que existía entre éste y el personaje del perro amarillo.
Para el corto El aprendiz de brujo, de película de Fantasía (1940), se había considerado que Tontín (Dopey Dwarf) de Blancanieves y los siete enanitos, apareciera como personaje principal. Debido a que la popularidad de Mickey había disminuido con la aparición del Pato Donald, Walt consideró que tenía que rescatar a su personaje estrella. Fue así que decidió “darle” a Mickey el papel protagónico. La escena de Mickey con el sombrero puntiagudo y la toga roja es ahora una de las más representativas del estudio Disney.
Mickey, con sus guantes blancos, pantalones rojos y zapatos amarillos es un personaje, que si bien no es real, para muchos está vivo y lo estará siempre que alguien lo recuerde.
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